前期2/1［木］―13［火］
後期2/15［木］―28［水］

niigata eya exhibition 665

前期
　昨年11月上旬、新潟絵屋は展示室をスタジオに変え、峰村リツ子が最後に手元に残した油絵を撮影していた。この2月はその413点の中から、前期と後期で企画者をわけそれぞれが出品作品をセレクトする。
　前期は、わたしが撮影に立ち合った中で特にこころに残った絵を選ぶことにした。人物、静物、風景、いろんな絵があって、そのどれもが大らかで潔く、清々しい。「かあさん」の絵を保管してきた四女のいづみさんにも展覧会を見てもらえることがうれしい。（企画者：井上美雪）
The First Half
In early November of last year, Niigata Eya turned its exhibition room into a studio and took pictures of the Ritsuko Minemura oil painting left by her. This February, from among the 413 paintings, the exhibition planners will select works for the first and second halves of an exhibition.
For the first half of the exhibition, I decided to select paintings that particularly stuck in my mind from among those that were present during the photo shoot. There are various paintings of people, still life, and landscapes, all of which are easygoing, graceful, and refreshing. I am glad that Izumi, her fourth daughter, who had preserved her “Ka-san’s” (mother’s) paintings, will be able to see the exhibition. (Exhibition Planner: Miyuki Inoue)　

後期
　峰村リツ子の絵の多くが裸婦だ（裸夫もある）。これらに魅了されて、自分の画廊とエッセイ「気まぐれ美術館」で紹介した洲之内徹は、なんともふしぎな人体のとらえ方をキュビスムやフォービスムと結びつけて考えようとしていた。
　視点を変え、日本美術史の側から眺めてはどうだろう。浮世絵や中世の風俗画に描かれた人々は西洋美術的にはへんてこで、歪んでいると評されてきた。けれどその歪みこそ、過去の絵師たちが同時代の営みを見つめた生きた好奇心を語る声なのだ。
　峰村は娘たちを訪ねてよく行ったニューヨークの、デッサンスクールで裸婦を描いたらしい。彼女はそこではいつも和服姿だった。戦国・江戸期の絵師が20世紀アメリカに舞い降りた図が浮かぶ。そんな日本人絵師が、現代風俗「ヌードデッサン会」に好奇のまなこを光らせた絵、として見ると、なんだか楽しいではないか。（企画者：大倉宏）
The Second Half
Many of Ritsuko Minemura’s paintings are female nudes (there are also male nudes). Toru Sunouchi, who was fascinated by these paintings and introduced them in his gallery and in his essay “Kimagure Bijutsukan” (Capricious Art Museum), was attempting to ponder the connection of this mysterious way of portraying the human body with cubism and fauvism.
How about changing the perspective and looking at it from the standpoint of Japanese art history? People depicted in ukiyoe and medieval genre paintings had been described as strange and distorted from the perspective of Western art. Yet it is this distortion that is the voice that tells of the living curiosity of the eshi (vocational painter) of the past, as they looked at the lives of their own time. Minemura apparently had painted nudes at a drawing school in New York City, where she often visited her daughters. She was always dressed in kimono there. A picture of an eshi from the Warring States and Edo periods descending to the ground in America during the 20th century comes to mind. It is somewhat amusing to think of her paintings as a Japanese eshi‘s curious glances at the “nude sketching session,” which is a contemporary custom. (Exhibition Planner: Hiroshi Okura)

PHOTO（上）: 題不詳　油彩／キャンバス　制作年不詳　45.5×33.3cm

峰村リツ子（みねむら りつこ）
1907年新潟市生まれ。生家は沼垂で味噌醸造業を営んでいた。10代後半に東京へ行き、太平洋美術研究所で油絵を学ぶ。野口弥太郎、里見勝蔵、児島善三郎らの指導を受ける。女性の油絵画家の草分けの一人。戦前は1930年協会展、二科展、独立美術協会に出品。34年三岸節子、桜井浜江、佐川敏子らとグループ女艸会を結成。戦後は女流画家協会、自由美術家協会等で発表後、 70歳を越えてからは主に個展で発表。93年朝日ギャラリーで自薦展を開催。95年没。

Ritsuko Minemura
Born in 1907 in Niigata City. She was from Nuttari where her family ran a miso making business. In her late teens she went to Tokyo, where she studied oil painting at the Taiheiyo Art Association. Yataro Noguchi, Katsuzo Satomi, and Zenzaburo Kojima were her teachers. Minemura is one of the pioneers of Japan’s female oil painters. Before the war in 1930 she exhibited at the Kyokai Exhibition, the Nika Art Exhibition, and the Dokuritsu Bijutsu Kyokai. In 1934, she formed the group Josokai with Setsuko Migishi, Hamae Sakurai,and Toshiko Sagawa. After the war, she exhibited her works at the Women’s Artist Association, at the Jiyu Bijutsuka Association, and at other venues. After turning 70, she mainly exhibited her works at solo shows. In 1993 she displayed self-selected artwork at the Asahi Gallery. She died in 1995.

PHOTO: 作品はいずれも題・制作年不詳　油彩／キャンバス F4

PHOTO: 題不詳　油彩／ボード　制作年不詳　41.0×53.0cm

PHOTO: 題不詳　油彩／キャンバス　1989年　45.5×37.8cm

PHOTO: 題不詳　油彩／キャンバス　制作年不詳　33.3×24.2cm

PHOTO: 題不詳　油彩／キャンバス　制作年不詳　22.7×15.8cm

PHOTO: 題不詳　油彩／キャンバス　制作年不詳　41.0×27.3cm

▶ 峰村リツ子・緑川俊一展
▶ 若槻菊枝蔵の 「峰村リツ子の裸婦」展

1/13［土］― 28［日］

niigata eya exhibition 664

　11月に新潟市西区にお住いの方から、お父様が大事にされていたという應志さんの絵の写真が絵屋に届いた。カトリック教会、砂丘、堀と柳のある街路、船、山、花瓶に生けられた花々、お皿に載った果物…。應志さんが精力的に開催されていた個展で求められたと思われる一枚一枚が、すべてきれいに額装され、長い間その方の生活とともにあったということに胸が震えた。そしてそれらの絵が全て、見覚えのあるモチーフであることに改めて感じ入った。驚くほど飽くることなく、同じ対象をじっと見つめ、筆を動かすことができたのは、目の前に生きて在るものの躍動に、一つとして同じものはなく、毎度新鮮な気持ちで向かい合うことができたからなのだろう。應志さんが写し取った、あのとき、あの場所で生きていたものの息遣いを、絵を通じてたっぷりと浴びてみたい。
（企画者：岡部安曇／新潟絵屋企画委員）

In October a resident of Nishi Ward, Niigata City sent the Niigata Eya Gallery several photographs of paintings by Oushi Saito, that her father had cherished. A Catholic church, sand dunes, a street with a canal and willows, a boat, mountains, flowers in a vase, fruit on a plate, and more – each painting, seemed to have been bought, one by one, at Saito’s numerous exhibitions, and was beautifully framed.
The fact that they had been cherished by him for so long made my heart tremble. I was also struck once again by the fact that all of these paintings were based on familiar motifs. The reason he was able to stare at the same subject and move his brush with surprisingly untiringly facility was probably because he could face the dynamism of the living things in front of him with a fresh mind each time. I would like to bathe in the breath of the things that were alive at that time and place, as captured by Saito, through his paintings. (Exhibition Planner: Azumi Okabe)

斎藤應志（さいとう　おうし）
1903年中条町（現胎内市）生まれ。24年新潟師範学校卒業。戦前の民間主催の洋画公募展「新潟県展」（旧県展）の企画・運営に参画し、自らも同展に出品した。旧県展第1回で3点の作品が入選し、「選外特選」の「船」は市長賞を受賞。第4回で特選。戦後は中学校美術教師をしながら、新潟の風景や静物画を描き、数多く個展で発表した。81年没。2019年新潟絵屋で弟との二人展「斎藤應志・鉄臣展」を、その後個展を2020年以降毎年開催。2021年には胎内市美術館にて「斎藤應志・鐡臣二人展」が開催された。関連する書籍に『斎藤應志・鐡臣二人展圖録』（胎内市美術館）、『まちの日々180 vol.9 特集 新潟島』、『別冊 斎藤應志さんと新潟』（まちの日々編集室、2023年1月発行）がある。
Instagram　＠oushi_saito

Oushi Saito
Born in Nakajo-machi (contemporary Tainai City) in 1903, Saito graduated from Niigata Normal School in 1949. He participated in the planning and operation of the Niigata Prefectural Exhibition (formerly known as the Prefectural Exhibition), a prewar public exhibition of Western-style paintings sponsored by the private sector, and also exhibited his own works at the exhibition. Three of his works were selected for the first former Prefectural Exhibition, and “Ship” was awarded the Mayor’s Prize in the “Special Selection from unaccepted works” section. He received a special prize at the 4th exhibition. After the war, he worked as a junior high school art teacher and painted Niigata landscapes and still-lifes, and exhibited them in many solo shows. He died in 1981. In 2019 he and his brother had a dual show, “Saito Oushi-Tetsuomi Exhibition,” at Niigata Eya, followed by a solo show there every year from 2020. In 2021 a “Saito Oushi-Tetsuomi Exhibition” was held at Tainai City Art Museum. Related books are Saito Oushi・Tetsuomi Nininten Zuroku (Tainai City Art Museum), Machi no Hibi 180 vol. 9, Special Feature Niigatajima, and Bessatsu Saito Oushi-san to Niigata (Machi no Hibi editorial office, published in January, 2023). Instagram　＠oushi_saito

PHOTO:「堀ばたの並木」1958年 油彩／板 22.6×15.2cm

PHOTO:「おだやかな入日」1958年 油彩／板 15.7×22.7cm

PHOTO:「大和の見える西堀（冬）」1959年 油彩／板 15.2×22.6cm

PHOTO:「かもめのいる港」1960年 油彩／板 15.4×22.6cm

PHOTO: 無題　制作年不詳　油彩／キャンバス／27.2×22.0cm

関連 Shop Information

斎藤應志展 関連コーナー

斎藤應志ポストカードⅠ
1/13［土］発売
斎藤應志作品で、テーマ別ポストカードの制作を開始します。毎日、日記のように絵を描き続けた應志さんは、様々な作品を数多く残しました。今回はその中から海の風景を中心に、５作品を選んでポストカードセットにまとめます。１枚のみのお求めもOKです。どうぞお楽しみに！
5種類セット　800円〈税込〉カートに入れる
1枚の場合　165円〈税込〉

まちの日々別冊「斎藤應志さんと新潟」
2022年の「新潟の肖像 1955-70 斎藤應志展」（会場：砂丘館）をもとに、昭和30～40年代に描かれた新潟の風景画約150枚を掲載。解説文も合わせて紹介しています。
A5フルカラー：100頁
制作発行：まちの日々編集室
990円〈税込〉カートに入れる

『斎藤應志・鐡臣二人展圖録』
2021年に胎内市美術館で開催された、斎藤應志さんと弟の鐡臣さん二人展の図録です。約60点の作品と、お二人に関係の深い方達の寄稿文を掲載しています。
B5フルカラー：104頁
発行：胎内市美術館
1,500円〈税込〉カートに入れる

▶ 斎藤應志展5
▶ 新潟の肖像 1955-70 斎藤應志展＠砂丘館
▶ 斎藤應志展4
▶ 斎藤應志展3
▶ 斎藤應志展2
▶ 斎藤応志・鉄臣展
▶ まちの日々180 vol.9 特集　新潟島（完売しました）
▶ まちの日々180 別冊 斎藤應志さんと新潟
▶Instagram　＠oushi_saito

12/1［金］―14［木］

12/10［日］18：00〜19：30
ささめやゆきトーク「絵描き人生あれこれ」

niigata eya exhibition 662

　　ささめやゆきの絵には匂いがある。
　おどりや歌、目、あるいは詩。ただの一瞬、それだけを呼吸し生きたひとたちの息、汗、肌の匂いが。
　映画、シャンソン、翻訳詩など。私も人生のいっときふれた濃厚なときが流れてくる。
　ボールペンで描いていたら、キミの絵はエッチングに適していると言われて始めた銅版画の線。描くためではなく、嗅ぐために引かれた線が伸びてまがり、カタチになると、匂いも変容し、遠くて近い彼女や彼の声が、どよめきが聞こえ、音、光、ゆれる空気になり、思い出や追憶と描く今がぬくもった合金となって手中にある。
　そんな錬金術に、魔法に、魅せられたままずっと生きてきたひとがここにいる。（企画者：大倉宏）

　Yuki Sasameya’s paintings have a smell

　The smell of breath, sweat, and skin of people who lived in the moment, who breathed only dance, song, seeing, or poetry.
　Movies, chansons, translated poems, and so on. The richness of the moment of these
experiences in my life that I have also experienced at one time or another, flows through his works.　
The copperplate line: while he was drawing with a ballpoint pen Sasameya-san was told that his drawing was suitable for etching; so he started this new medium. Lines were drawn not for the purpose of drawing but for smelling are stretched and turned, and when they take shape, smells are transformed, the voice of a distant yet near her or him is heard, a stir is heard, and sound, light, and shaking air become the warm alloy of memories, reminiscences, and the present time in which they are depicted, and are in my hand.
　Here is a person who has lived his whole life fascinated by such alchemy and magic. (Exhibition Planner: Hiroshi Okura)

ささめやゆき
1943年東京都生まれ。45年空襲にて家消失。以後68年までボーッとしてくらす。その年にはじめて絵を描く。70年渡仏、71年渡米、72年渡仏シェルブールへ。73年帰国。77年油絵のほか銅版画を制作する。絵本や挿絵の仕事多数。『ブリキの音符』（文・片山令子、白泉社）『ガドルフの百合』（文・宮沢賢治、偕成社）、『マルスさんとマダムマルス』（原生林・ひだまり舎）、『幻燈サーカス』（文・中澤晶子、BL 出版）、『あしたうちにねこがくるの』（文・石津ちひろ、講談社）、『ねこのチャッピー』（小峰書店）、『くうき』（文・まどみちお、理論社）、『椅子』『Butとor』（BL出版）、『あるひ　あるとき』（文・あまんきみこ、のら書店）、『ワタシゴト』（文・中澤晶子、汐文社）、『すなはまのバレリーナ』（文・川島京子、のら書店）など。

Yuki Sasameya
Born in Tokyo in 1943. Lost his house in an air raid in 1945 and lived in a daze until 1968, when he painted for the first time. He went to France in 1970, to the U.S. in 1971, to Cherbourg in France in 1972, and back to Japan in 1973. In 1977, he created copper prints in addition to oil paintings. He has worked on numerous picture books and illustrations: Buriki no Onpu (written by Reiko Katayama, published by Hakusensya),Gadolf no Yuri (by Kenji Miyazawa, published by Kaiseisha), MONSIER et MADAME MARS (published by Genseirin・Hidamarisha), Gento Circus (by Shoko Nakazawa, published by BL Syuppan), Ashita Uchini Neko ga Kuruno (by Chihiro Ishizu, published by Kodansya), Neko no Chappie（published by Kominesyoten), Kuki (by Michio Mado,published by Rironsha), Isu, But and Or(published by BL Shuppan), Aruhi Arutoki (by Kimiko Aman, published by Nora Shoten), Watashi Goto (by Syoko Nakazawa, published by Choubunsya),Sunahama no ballerina (by Kyoko Kawashima, published by Norasyoten), et al.

PHOTO（上）:「A Rita」 1987年 シュガーアクアチント 39.7×29.7cm

PHOTO:「困ったときのブラッサンス」銅版画　37×27.8cm

PHOTO:「ボブの言葉」リノカット 21.2×14.8cm

PHOTO:「赤いくつ」リノカット 21.2×14.8cm

▶ ささめやゆき展　2020年

関連イベント

ささめやゆきトーク
「絵描き人生あれこれ」
12/10［日］18:00-19:30

ささめやゆき・大倉宏（聞き手）
参加費500円・定員20名・要申込（メール・電話で絵屋に申込）

11/15［水］― 28［火］

niigata eya exhibition 661

　倉橋元治は木こりと自分では言っていたそうだが、祖父、父から継いだ樹木の伐採を仕事にしていた。美術表現を始めたきっかけは30歳のころ棟方志功の版画を見たことで、それから全くの独学で版画や絵画、立体等を制作し続け、作品は高い評価も受け、5年前70歳で亡くなった。版画は木版画で、立体の素材もすべて木（一部は土）だった、彼自身が伐った木から生まれた作品だったのだろう。
　倉橋林業の広告に「ブロックや家のそばの木は屋根や基礎を傷める」とあった。当り前のことながら、あまり見ない注意書き。人の都合で植えられた木が枝を自由に伸ばせず、伐られる痛みを彼は想っていたのかもしれない。
　大きな立体作品「ゴッホの部屋」（現存せず）ではゴッホが「休息を表した」と弟テオに書き送った絵のベッドが、実物大に再現されたが、台面には刺にも見える傷が刻まれていた。痛みのモチーフは、社会・人間批評をにじませた初期作から、晩年まで、どの作品にも垣間見える。きこりをしながら表現し続けた人生にも、喜びとともに、人に語れない痛みがあっただろう。しかしその作品には、ユーモアやペーソスにも通じるふしぎな温かみがある。伐られてもなお生きていく街中（＝人間世界）の樹木の、命の、明るさが歌になって、きこりの芸術家のレンズを通過して映えているようだ。
〈文：大倉 宏　企画者：（故）武田光一・大倉宏〉

Motoharu Kurahashi called himself a lumberjack, and his job was to cut down trees; he inherited this career from his grandfather and father. He started his artistic expression when he was 30 years old that he saw a print by Shiko Munakata. Since then, he was completely self-taught and continued to create prints, paintings, and sculptures, and his works received high acclaim. He died five years ago at the age of 70. The prints were woodblock prints, and the materials for the three-dimensional works were all wood (some were clay), probably created from trees that he himself had cut down. An advertisement by Kurahashi Forestry Inc said, “Trees on blocks or near houses can damage roofs and foundations.” This is a warning that is obvious, but one that we do not see often. Perhaps he was thinking of the pain of trees planted for human reasons that cannot grow their branches freely and are cut down.
　In the large three-dimensional work “Van Gogh’s Room” (not extant), the bed in the painting, Van Gogh wrote to his brother Theo, represented rest, was reproduced life size; but the surface was carved with wounds that looked like stings. The motif of pain can be glimpsed in all of Kurahashi’s works, from his early works, which ooze social and human criticism, to his later works. In his life as a lumberjack, he must have had both joys and pains that he could not talk about. However, there is a mysterious warmth in his works that can be likened to humor and pathos. The brightness of life of trees in the city (i.e., the human world), which live on even after being cut down, seems to be captured through the lens of the lumberjack artist in the form of a song.
〈Written by Hiroshi Okura Exhibition Planner: (Late) Koichi Takeda and Hiroshi Okura〉

倉橋元治（くらはし もとはる）
1947年神奈川県平塚市生まれ。祖父の代からの林業を継ぐ。30歳の頃から表現活動を始める。1988年ウッディアート・フェスティバル（東京）で大賞、89年神奈川県美術展で準大賞（立体）、県立近代美術館賞を受賞。91、92年現代日本美術展入選。ほかグループ展参加多数。東京、神奈川、イスラエルなどのギャラリーや美術館での個展多数。2018年没。町立湯河原美術館、ギャラリーNEW新九郎（小田原）、丹沢美術館（秦野市）などで遺作展が開かれた。

Motoharu Kurahashi
Born in 1947 in Hiratsuka City, Kanagawa Prefecture, Kurahashi took over his grandfather’s forestry business. He began his artistic activities at the age of 30, winning the Grand Prize at the Wood Art Festival (Tokyo) in 1988, and the Second Prize (three-dimensional work) at the Kanagawa Prefectural Art Exhibition in 1989. He was selected for the Contemporary Art Exhibition of Japan in 1991 and 1992. Participated in many other group exhibitions. Numerous solo exhibitions at galleries and museums in Tokyo, Kanagawa, and Israel. Died in 2018. Exhibitions of his posthumous works were held at the Yugawara Art Museum, Gallery NEW Shinkurou (Odawara), Tanzawa Art Museum (Hadano), and others.

PHOTO（上）: 磔刑／木、金属 150×143cm

PHOTO: つののある人／木 19×43×46cm

立ち木を自ら切り倒し
ある部分を建築材料にし
ある部分を紙の材料にし
ある部分を自分の彫刻に使い
その木っ端で小品を作り
その残りで風呂を沸かし
その灰を地面に戻し…
川の中を転がる石のように生活し
いつの日か大海に出て
いつの日か岸の真砂になる…

＊

Art is Long 　Life is Short
芸術でもなく　工芸でもなく　商品でもない
それは、自分自身が生きるための必要なものであり、行為である。
興奮し、血が騒ぎ、心安らぎ、解放され、自然に体から湧き出してきたもの。

（作者の言葉）

Cut down standing trees by myself

Some parts are for building materials

Some parts are for paper

Some parts are for my sculpture

The pieces are for my small works

Boil in a bath with the rest of it

Put the ashes back in the ground…

Live like a stone rolling in the river

Someday will go out to ocean

One day become sand on the shore…

＊

Art is Long, Life is Short

It is not art, it is not a craft, it is not　goods

It is an act, a necessity for one’s own survival. Excitement, blood rushes, peace of mind, liberating, and spontaneously something　comes out of the body.　

(Kurahashi’s words)

「倉橋元治展」関連情報

「みなとまち新潟の芸と風土　発掘・体験プロジェクト」
近世～現代まで
10/25［水］―11/26［日］

会場：新潟大学旭町学術資料展示館、砂丘館、旧齋藤家別邸、行形亭、北方文化博物館新潟分館、正福寺、加島屋、旧小澤家住宅、新潟市歴史博物館ほか

＊開館時間、休館日は会場によって異なります。
＊新潟大学旭町学術資料展示館の会場に「倉橋元治展」企画者の故武田光一さんを紹介するコーナーがあります。

主催：みなとまち新潟の芸と風土　
発掘・体験プロジェクト実行委員会
事務局：新潟大学旭町学術資料展示館
tel. 025-227-2260

www.lib.niigata-u.ac.jp/tenjikan/innovatemuseum2023/

▶ 2018年　美術講座「日本絵画の展開」講師：武田光一